 est née à Rio de Janeiro au Brésil en 1985. Elle vit et travaille à Bordeaux depuis 2017. En 2020 elle occupe un atelier au sein de L’Annexe B, l’association des ateliers d’artistes de Bordeaux, dans le quartier du Grand Parc.

Diplômée en design industriel de l'Université catholique de Rio de Janeiro, PUC-RJ, elle a travaillé pendant cinq ans dans un bureau de design textile, où elle a créé des motifs pour de grandes marques.

Duda a commencé sa vie artistique dès son plus jeune âge, elle vient d'une famille d'artistes de Rio de Janeiro. Sa carrière professionnelle commence en 2014 au Brésil, où elle suit un cours de dessin immersif de quatre semaines. C'est à partir de là qu'elle a pris son engagement artistique professionnel.

Dans son travail, Duda explore le geste, la composition, les formes et les couleurs. Les fleurs, avec leur ambivalence entre force et fragilité, permettent un large champ de possibilités dans l'expression de l'artiste, tout autant que le geste rapide mais précis et les couleurs vibrantes qui émergent du mélange des formes

En 2020, à partir d’études de collage pour ses peintures, l'artiste a entamé une nouvelle série avec des tissus. Intitulée "Textile", cette série présente des compositions similaires à celles de ses peintures, mais avec de nouveaux matériaux : textures, couleurs et motifs déjà prêts à être transformés en œuvres en volume et en couches. C'est alors que le travail de Duda prend une nouvelle dimension. Créées à partir de tissus récupérés, ses œuvres prennent des tons hivernaux et des styles plus raffinés, grâce aux velours, soies et motifs arabesques acquis en France, où l'artiste réside actuellement. Le travail en tissu est un véritable carrefour de cultures.

Après d'importantes expositions individuelles et collectives à l'espace Bois Fleuri , galerie Zone Trois et à l'Abbaye de L'Escaladieu en France , galerie Anita Schwartz à Rio de Janeiro, Brésil, expositions collectives comme le projet Noyau de l'association Fhon, "La Dame à la Licorne" au Glacières de la Banlieue, Bleu Satellite une off du salon bad+, Tinbox#5 et Da Pintura à Z42, en 2023 est lauréat du prix Robert Coustet en Bordeaux.


moraes.duda@gmail.com

+33 (0)7 83 22 30 74

[Studio] — L'Annexe B
1 rue Jean Artus
33300 Bordeaux France

Terre de Vins, Desmirail sur un air de Samba, 2024

Couverture Junkpage, janvier 2024, jungle terrible jungle

Sud Ouest — “Floraison” fait escale sur l’esplanade François Mitterand

Junk Page — “Gallerie du petit atelier” Mai 2021 - Issue 18

Casa Vogue — Color Selection - April 2015

SudOuest, Libourne : les lycéens de Max-Linder ont mis l’art en boîte, par Linda Douifi, 2022

Projets en pédagogique avec le textile et d'autres projets signée par l'artiste.

Joyeux et chaotique, jusqu’à l’envahissement, le débordement presque intrusif voire impudique des formes exulte. 

 crée des profondeurs et des éblouissements qui submergent notre rétine avec persistance, composés d’éclats et d’aplats parfois opaques et enfermés. On tente de se frayer un chemin dans cet univers tentaculaire formé par une succession de couches. Les échelles prolifèrent, du macro au micro, une ambigüité s’en dégage : entre force et fragilité, on assiste à une danse aussi radieuse qu'inquiétante.

Comme si la peinture n’était pas encore sèche, la couleur semble fléchir, s’affaisser, tomber. À partir de gestes esquissés, de contours rehaussés, les couleurs s’étalent. Les fleurs sont contenues dans des vases. Ils ont tendance à disparaître, tant Duda Moraes développe un travail expressionniste qui dépasse la représentation littérale.
« Je ne peins pas les fleurs, ce sont les fleurs qui me font peindre » dit-elle. La forêt tropicale n’est pourtant pas aussi colorée que ses grandes peintures nous le font croire : le climat, l’humidité et la luminosité flamboyante du Brésil diffusent des variations de couleurs parfois extrêmes. Ici, s’exprime la quintessence de la recherche de Duda Moraes. Elle s’inspire toujours d’images glanées, puis s’en détache rapidement, par l’action du geste et de la couleur entremêlés. Auparavant, ces images relevaient d’une nostalgie du pays lointain : la saudade la réchauffait.
Depuis son arrivée en France en 2017, le processus créatif de Duda Moraes
traverse la maturité. Sa peinture est sans cesse habitée par le souvenir carioca, son atmosphère chaude et moite. Elle est désormais en quête d’affirmation et se présente d’une nouvelle façon à sa ville natale, Rio de Janeiro. Son identité s’est imprégnée d’une autre culture : le climat continental infuse la pratique artistique et décale peu à peu le propos. Aujourd’hui, on sillonne les méandres d’une peinture qui dévoile l’empreinte des couleurs utilisées successivement. On discerne alors une mémoire de la peinture : Duda Moraes accumule les strates de formes, révèle les évolutions tectoniques de sa peinture. Comme lors du passage d’un seuil, le corps
entre dans la toile. Ce portail est constitué d’une toile de fond abstraite recouverte de motifs figuratifs. La sensation des couches et l’apparition de la lumière viennent des profondeurs. Parfois, les tranches fluorescentes se reflètent sur les murs et créent des auréoles autour des iris, des narcisses, des pivoines, des arums ou des tulipes perroquet. Peu à peu, l’artiste se déplace. Elle tente de peindre sur soie ou aborde la couleur par le prisme de nouvelles techniques comme la céramique. Les tissus sont découpés, les fleurs apparaissent sous la forme de collages textiles, cette fois-ci à
partir de motifs européens. À travers ces expérimentations, Duda Moraes
décortique, démembre et malaxe le processus pictural.

Au cœur de l’exposition, un long polyptyque fonctionne comme . Panorama immersif d’un geste continu, la peinture fragmentée nous donne la
sensation d’être dans la forêt, tout contre les plantes. L’artiste joue avec le hasard d’une réunion de six peintures créées indépendamment les unes des autres, pour produire finalement cette jungle tropicale, et dépasser le format classique du tableau. Elle tend la toile sur le châssis, soupèse la forme et visualise, avant de peindre, l’espace qui entoure ce cadre rigide. Depuis qu’elle s’est emplie de la lumière de l’hémisphère nord, elle s’éloigne de ce qui la nourrit depuis toujours et s’intéresse aux végétations européennes, plus timides et silencieuses. Elle développe alors un intérêt pour l’empiècement, le patchwork, l’expérience textile abordée par le prisme de la picturalité. La couture lui permet de fixer la composition en canalisant le geste. Son regard tropical est influencé par un matériau qu’elle voit
comme typiquement occidental, composé de morceaux récoltés et chutes de tissus épais aux couleurs sombres. La vitalité de l’artiste se fonde sur un aller-retour permanent, une traversée mentale de l’océan Atlantique, et se décline jusqu’à la découverte d’autres matières, pour observer les réactions de la fibre au flux incessant des tiges, pétales et bourgeons. Face aux œuvres textiles, trois toiles plus petites représentent les fleurs européennes, qui semblent plus décoratives. On passe à travers cette métamorphose. Enfin, on contemple une ardeur désespérée, mouvementée comme la vie, cahotée par les sentiments contradictoires. Duda Moraes répond à ce que la peinture lui demande, avec des gestes rapides, une profusion incessante, une pratique très intense de l’atelier. Elle revient toujours vers la peinture, désosse le motif floral, pour créer de nouveaux espaces qui nous
englobent. L’exposition réunit un ensemble de formes interconnectées, les tiges naviguent dorénavant d’une échelle à l’autre, d’une surface accrochée à une suspension, d’une image fantasmée à une réalité.

Le Fleurs ont toujours raison, Élise Girardot

Débordantes d’énergie, de floraisons sans raison ni ordre, les toiles de 

 semblent au premier regard abonder en notre sens : satisfaction d’un exotisme si ce n’est joyeux du moins immédiatement vivant et coloré, intranquille mais exultant.

Mais, et c’est le titre de cette série de 2023, 

 nous invite aussi à « Regarder les fleurs ».C’est-à-dire à nous arrêter, à sortir des images toutes pensées et des clichés tropicaux, du cadastre et des calendriers de l’art et de l’émotion.

Et ce que l’on voit est alors tout autre : ce sont les gestes, les mouvements et les épaisseurs, les substances, les élancements, les esquisses, les impatiences, les indécisions et les fermetés : toute une activité et théâtralité chtonienne sur la toile qui soutient le floral. Et la pensée. Travail et germination, une viscérale abstraction, quelque chose sous la couleur.

 dans sa préface à « L’eau et les rêves. Essai sur l’imagination de la matière » (José Corti, 1942).

Les unes trouvent leur essor devant la nouveauté ; elles s’amusent du pittoresque, de la variété, de l’événement inattendu. L’imagination qu’elles animent a toujours un printemps à décrire. Dans la nature, loin de nous, déjà vivantes, elles produisent des

Les autres forces imaginantes creusent le fond de l’être ; elles veulent trouver dans l’être, à la fois, le primitif et l’éternel. Elles dominent la saison et l’histoire. Dans la nature, en nous et hors de nous, elles produisent des 

 ; des germes où la forme est enfoncée dans une substance, où la forme est interne ».

Entre baroque et aridité, explosive musicalité et lent travail de cataclysme, le foisonnement ici à l’œuvre est d’un contemporain radical.

J.C. SchliwinskiAuteur
/Documentariste Février 2024

Duda Moraes, les forces à l’œuvre, JC Schliwinski

Tout au long de son histoire, les chemins de la peinture ne furent aisés.En particulier au début du XXème siècle, elle fut brisée en d'innombrables morceaux par les ambitions d’ avant-gardistes : fauvistes, cubistes, expressionnistes, futuristes, tenants de l’art abstrait et dadaïstes se disputèrent bien souvent leurs propres vérités, ce qui anema l'artiste et révolutionnaire Alexander Rodchenko à décréter la peinture comme morte, la considérant comme "improductive" au sein de la nouvelle réalité communiste de l'époque.
Malgré les décombres et décrets de mort, la croyance lumineuse et optimiste en la peinture ne fut jamais réellement interrompue. Il suffit de rappeler qu'en 1912, une brève mais remarquable mélodie picturale fut capable de surmonter les adversités et les luttes critiques de la douloureuse Première Guerre mondiale : Robert et Sonia Delaunay, Frank Kupka, Fernand Léger, Francis Picabia, et même un jeune Marcel Duchamp amenèrent le poète Guillaume Apollinaire, en pleine modernité industrielle, à rappeler le mythe grec d'Orphée pour donner nom à un mouvement - l'Orphisme - associant la dimension intangible et lyrique de la musique, aux rythmes formels et surtout chromatiques de l'encre sur la toile. Tels des pèlerins en direction d’un terrain critique, inhabité et difficile à résumer en termes figuratifs, les orphistes réalisèrent des œuvres de grande ampleur, non en termes d'échelles, mais en l'invention d'un nouveau langage artistique : l'abstraction.
En arpentant le terrain de ce vocabulaire inventé il y a environ un siècle, la carioca Duda Moraes peint "La Huaca", "Sacsayhuaman", "Atahualpa" et d'autres toiles d'une grande vigueur et éloquence, réalisées peu après son voyage au Pérou et qui intègrent son premier solo-show à Belo Horizonte. Ces œuvres portent, dans leurs titres et leurs tailles, les marques de son voyage non seulement physiques mais aussi sensibles aux terres voisines de notre pays. Ces vestiges chromatiques chargés de contrastes et de sensibilité explicite, renvoient justement à certaines ambitions du bref mais marquant mouvement orphiste et le déplacent temporellement en le reliant de façon singulière à la culture péruvienne, qui à son tour, assimile les traditions indigènes et espagnoles. Dans le mouvement opéré par Duda, l'avant-garde européenne dialogue et contraste simultanément avec les mythes ancestraux incas et le baroque particulier des Andes au beau milieu du Minas Gerais , réaffirmant la capacité de la peinture à associer poétiquement et conceptuellement des moments et des lieux souvent distancés par les historiographies figées.
Dans "Coricancha", une toile de grand format qui mérite le détour, un disque jaune, dense et lumineux peint à l'huile, se situe au sommet du tableau et flotte sur des vélatures pour faire symboliquement référence au "temple d'or" inca situé à Cusco. Dans cette œuvre, des formes organiques, multicolores, qui parfois insinuent un certain caractère géométrique, tantôt se juxtaposent, tantôt s'entremêlent, concevant une sorte de paysage ou de construction inconsciente, suggérant les sensations du contact de l'artiste avec la puissance matérielle et immatérielle de l'édifice sacré en question. Pour Duda, peut-être est-il impossible de représenter exactement l'impact de son expérience lorsqu'elle pénétra dans cette enceinte singulière. Ainsi, le caractère fugace et louable de l'ambiguë abstraction de ce tableau sert magistralement à rappeler la perplexité que beaucoup d'entre nous ressentent en s'immergeant et en s'abandonnant corps et âme à certains espaces dédiés au sacré.
À une époque des arts sensationnalistes et a priori relationnels, les œuvres de Duda cherchent à sillonner des lieux de façon romantique, échappant à la massification et à l'anxiété consumériste ou même, à une idée superficielle de la brésilianité. L'intérêt de l'artiste ne réside pas seulement dans la physicalité de la toile et des tubes de peintures, mais aussi dans une traversée, un voyage individuel, émotionnel et immatériel. Une promenade à travers les montagnes et les terres saintes, les maisons de ceux qui ont souffert et souffrent encore de l'invasion colonialiste. Les œuvres de l'artiste révèlent un voyage qui ne prendra jamais fin dans un lieu concret et spécifique, car le destin de la véritable terre sacrée de la peinture évoquée par Duda est l'infini.
Alvaro Seixas Rio de Janeiro, mars 2017.

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